Exposición obligatoria 1 Galerías Doctor Fourquet

GALERÍAS DOCTOR FOURQUET

Al pasear por la calle del Doctor Fourquet, en el Barrio de Lavapiés de Madrid, la primera galería con la que me encontré fue "F2 Galerías" en el número 28.

Exposición "Encore un moment, monsier le bourreau, encore un moment"

Al entrar en la galería lo primero que nos encontramos es ésta gran sala envuelta por dos chimeneas enfrentadas y un friso en la pared (http://www.f2galeria.com/exposicion/lluis-hortala-encore-un-moment-monsieur-le-bourreau-encore-un-moment-/)

El autor Lluís Hortalà se remonta a la época de la Revolución francesa, cuando el Antiguo Régimen pasaba por una crisis y los nuevos ideales movían a la sociedad hacia un cambio. Esta sala representa un salón de palacio de la época, y la chimenea asociada al estilo neoclásico de la primera imagen se corresponde con María Antonieta, una mujer que según el autor era definida como más conservadora y seria. La otra chimenea nos la encontramos al otro lado, enfrentada, ya que representa a la amante de Luis XVI, Madame le Bourreau con un estilo más recargado y rococó. 

El friso de la tercera imagen representa la guillotina, generando un corte abrupto en la pared, que se termina encargando de igualar todas las clases sociales. Al final durante la ansiada Revolución de 1789 los monarcas y nobles ya no se encontraban en condiciones diferentes al resto, su poder no servía de nada, porque la muerte alcanza a todos por igual. 

Cuando pensaba que la idea no daba más de sí y se me antojaba sencilla en sus inicios al leer la nota de prensa asociada a la exposición pude comprobar que ninguna de las chimeneas, ni siquiera el friso tenían volumen. Todo era un trampantojo o trompe-l’oeil, pero, ¿con qué fin? Al interpretar desde mi punto de vista la información asociada a la exposición, el autor nos muestra que no sólo la suntuosidad y el poder de los monarcas termina siendo falso con la llegada de la guillotina, sino que el arte que aparece unos años después con la llegada del primer museo (El Louvre) sigue siendo artificial. 

Antes, la misma guillotina que ahora asociamos a la Revolución, servía al Estado como poder coercitivo para infundir miedo en la población a través de las ejecuciones públicas para que acatasen las leyes y normas. Cuando la misma guillotina es utilizada contra los propios monarcas aparece el Museo que durante ese periodo de transición aparece como una nueva forma de interceder en los gustos de la población y acercarla a los sentimientos nacionales y patriotismo (esta vez no a través de la muerte y el castigo positivo, sino a través de un arma mucho más sutil disfrazada de arte), por ello el rodapiés que representa la guillotina es la reproducción a escala 1:1 del zócalo de la National Gallery de Londres un Museo que abrió sus puertas unos años después de la Revolución francesa. 

Por tanto, el autor nos muestra una sala con una serie de objetos que son trampas visuales generando una similitud con un doble engaño histórico. El primero, el de hacernos pensar que los soberanos realmente estaban en un nivel superior que las demás clases sociales, mostrándonos que en el fondo utilizaban el miedo para engañarnos (las chimeneas no están hechas de mármol ni tienen volumen ni ornamentación, es todo un trampantojo). Pero además, ni siquiera la guillotina que debería ser lo único verdadero de toda esta historia y que siempre hemos asociado con la fuerza revolucionaria y la lucha de clases es real, ésta también es un engaño y encima está construida con los mismos materiales que los museos que se abrieron en ese periodo de apertura a todo el público. 
Incluso el museo y por ende, las obras de arte y artistas allí expuestos durante ese periodo actuaban como intrusiones en la mente de las personas. Eran igualmente otro engaño para el ojo y la mente. 

Tras salir de esta galería me encaminé calle arriba hacia la Galería MPA (Moisés Pérez de Albeniz) donde el artista Carlos Irijalba nos exponía su obra.

Exposición "Endotic"

A través de esta exposición (http://www.galeriampa.com/?p=6584&lang=es) el artista Carlos Irijalba plantea una idea principal; Tendemos a asociar la naturaleza de algo a su ADN y éste se encuentra únicamente en nuestro interior como un conjunto de materia orgánica, pero ¿realmente ése es el límite? Los objetos que fabricamos con nuestras propias manos o con herramientas creadas por nosotros mismos también responden a nuestras motivaciones, ideas y necesidades, son de alguna forma parte de nuestro ADN, de nuestra naturaleza. 

Pues bien, partiendo de esta idea de continuidad entre la parte biológica y la material, entre lo vivo y lo inerte que tiene una forma determinada gracias a lo vivo. 

FFWD

Ésta estructura pretende representar a través de un ejemplo concreto la idea planteada anteriormente, en este caso la construcción en el s.XX de una pasarela en la cueva de pinturas rupestres de Chauvet, la idea que nos llevó a introducirla fue no dañar la cueva ni entrar en contacto con ella, entendiendo la cueva como algo con vida y orgánico y la plataforma metálica como algo inerte completamente opuesto sin capacidad de interrelación. Sin embargo, a través de esta masa informe de la imagen el artista nos muestra cómo con el paso de miles de años esa estructura metálica terminará siendo asimilada por la cueva y formando parte de ella como un conjunto. 

Al final, tal como se decía al principio, lo material y lo orgánico, lo vivo y lo inerte son uno. 

Muscle memory

A través de esta obra y siguiendo el hilo conductor de la exposición, el artista muestra cómo en el sector de la medicina se usan en muchas ocasiones materiales no orgánicos como la espuma metálica para la creación de prótesis humanas. Así mismo, esta idea de utilizar ese material de forma humanitaria también se terminó trasladando a la industria automovilística por ejemplo. 

Toda esta narración nos mantiene en la idea del flujo y el dinamismo de la materia. 
Además, me gustaría destacar la idea de que en los últimos tiempos lo orgánico e industrial se encuentran cada vez más estrechamente relacionados, no sólo en estos ejemplos más concretos sino también en la idea de ser humano del futuro donde la tecnología termina formando parte de nuestro propio organismo, como híbridos... Al fin y al cabo, ¿qué son sino éso las extremidades robóticas o la posibilidad de introducir un marcapasos permitiendo así que la unión de algo orgánico e inmaterial o inerte mantengan la vida de un ser humano?

Pahoehoe

A través de una serie de cuadros similares a este, el artista representa la lava suave (Pahoehoe en hawaiano) en un estado entre el sólido y el líquido, en constante creación y destrucción. Este estado de la materia que provoca constantes cambios en la superficie terrestre nos muestra la inexistencia de límites, donde todo es flujo y cambio, existiendo una interrelación entre todo desde una visión global. 

En conclusión y tras haber visto esta serie de galerías me gustaría dar mi opinión sincera. En primer lugar, me parece absolutamente importante que el arte vaya adquiriendo formas distintas en función de la mente de su creador y de las influencias que se han producido sobre él o ella, pero, es cierto que para comprender muchas de estas obras es necesario un periodo de inmersión y profundización mucho mayor para empaparte de las ideas que se exponen. Además, debemos perder el miedo a interpretar, a construir nuestras propias opiniones,... No hay una única interpretación y una misma idea puede despertar en diferentes personas asociaciones muy diversas aunque se nos antojen inconexas a primera vista. 

Me gustaría también recalcar la idea de aprender a pensar, a observar de manera crítica lo que nos rodea, a no temer expresar nuestras opiniones, y a aprender de diferentes exposiciones y artistas que aunque no se ajusten a nuestro mundo simbólico sí podemos utilizar técnicas que utilicen ellos para dar forma a nuestras propias ideas. De todo podemos beber, incluso de aquello que genere en nosotros un rechazo inicial.